Après une formation scientifique et un diplôme d’architecte, Elisabeth a travaillé quelques années en agence avant de se lancer sur les chemins de la terre avec une formation à la Maison de la céramique de Dieulefit qui lui permet de créer en 1999 son atelier professionnel au cœur des collines du Centre-Ardèche.

Son travail de la terre est à la fois pictural et sculptural, abstrait ou figuratif et la céramique lui permet de lier toutes ses inspirations : Le dessin, l’architecture humaine ou naturelle…Dans le prolongement de ses « Roches- menhirs, galets et formes du monde naturel » elle développe des paysages architecturaux qui jouent entre le décor et le volume d’objets décoratifs (vases, coupes, boîtes…) et invitent par le regard et le toucher à des voyages dans le temps et l’espace.

Depuis 2022 son travail évolue avec des réminiscences antiques dans les formes et les vestiges de décors.

Le travail qu’elle présente ici est essentiellement composé des « Perspectives architecturales » mises en lien avec quelques « Roches »

Toutes ses créations sont entièrement modelées à la main et décorées aux engobes sur terre crue puis cuites à 1000°c, éventuellement retravaillées avec des jus d’oxydes et émaillées puis recuites à 1000°C.

Adhérente à Ateliers d’Art de France depuis 2011, elle expose dans différents salons et dans les boutiques d’AAF.

elisaceramique@orange.fr 

elisaceramique.odexpo.com 

Anciennement dessinatrice en bâtiment, cela fait plusieurs années que Sandra Bretaudeau s’est tournée vers l’ébénisterie, les marqueteries de bois et de paille. Attachée à maîtriser l’intégralité du processus créatif, l’envie de concevoir et de réaliser ses créations est à l’origine de cette reconversion.

Autodidacte en marqueterie de bois, c’est en cherchant à progresser dans ce domaine qu’elle a rencontré la marqueterie de paille. Véritable révélation pour ses possibilités créatives et la dimension contemporaine des propriétés de ce matériau, elle cherche à les exploiter et à les valoriser au mieux à travers son travail.

Passionnée par les différentes techniques de marqueterie, Sandra associe ses connaissances du travail du bois et de la paille pour donner naissance à des créations uniques, tant artistiques que décoratives.

Métier passion, c’est avec conviction et humilité que Sandra s’engage dans la voie de l’ébénisterie et de la marqueterie de paille, dans le respect des traditions de ces artisanats d’art.

sandrabretaudeau@gmail.com

sbretaudeau.com

Lucie Briffaut est brodeuse d’art et artiste plasticienne indépendante à Strasbourg, issue du milieu de la Haute-Couture parisienne, au sein duquel elle a affiné son œil et sa technique durant plus de dix ans.

Aujourd'hui, tableaux et luminaires brodés sont ses principales créations, inspirées des couleurs du ciel, de la profondeur du Cosmos, des éléments comme l’eau et l’air...toujours avec raffinement et simplicité.

Sa démarche artistique s’articule autour d’une recherche de dialogue entre les techniques de peinture et de broderie, elle les détourne pour donner un effet de trompe-l’œil à ses œuvres. Il faut que le spectateur s’en approche pour réaliser que le motif est composé de fils, perles et paillettes, et non peint ou dessiné comme il aurait pu le croire au premier coup d’œil.

D’un point de vue visuel et graphique, Lucie s’inspire aussi d’artistes modernes et contemporains abstraits. Elle est sensible à l’idée que l’art et l’artisanat d’art se rejoignent et se complètent pour former un objet à la fois beau visuellement et dont la réalisation demande un savoir-faire pointu.

Jouer avec la lumière donne également à son univers toute sa substance (« Hikari », son nom d’artiste, signifie lumière en japonais) : en fonction de son intensité et de l’endroit d’où elle prend sa source, change la perception de l’objet et lui confère une dimension nouvelle.

liuce.lu@gmail.com

hikaribroderie.fr

Camille explore la porcelaine pour laquelle elle a toujours eu une fascination.

Sa douceur au tournage et sa blancheur sont pour elle un terrain de jeu inépuisable...

Son univers est graphique et délicat avec des motifs répétés, des paysages habités appliqués sur des formes tournées, simples et intemporelles.

Chaque pièce est unique : les dessins et motifs sont tous réalisés à main levée avec la technique du sgraffite (procédé de décoration murale en camaïeu, par grattage d'un enduit clair sur un fond de stuc sombre).

duneterrealautre@yahoo.fr

camillecampignion.com

Pascal, plasticien-zingueur, a un rôle de passeur. Sous ses mains, l’objet utilitaire sort de l’anonymat et devient une œuvre d’art. Une fois nettoyé, l’épiderme de la gouttière laisse apparaître les stigmates du temps passé, mémoire de plusieurs décennies de pluie, vent, soleil… tranches de vie. Une simple remise à plat, sans autre intervention, et l’artiste assemble les plaques de zinc laissant parler la poésie de cette nouvelle écriture mi-abstraite, mi-figurative… une renaissance qui laisse toute sa place à l’imagination et à nos paysages intérieurs.

Exposées dans des galeries et des musées, aussi bien que dans des lieux atypiques, les œuvres de Pascal ont été choisies par de nombreux collectionneurs sur tous les continents. Le crédo de cet artiste chaleureux, membre des Ateliers d’art de France, est de rendre l’art accessible à tous.

catry.pascal@gmail.com

pascalcatry.jimdo.com                           

facebook.com/Pascal-Catry

Gianbattista rencontre la céramique dans les années 90 grâce à Armel Hédé, qui vient exposer chaque samedi au marché de Dinard (35) et lui fait découvrir la finesse de son tournage.

Au début des années 2000 il intègre l’atelier de Yoshimi Futamura en Région Parisienne, découvre ces formes puissantes, une autre culture et surtout la matière et son travail.

Après plusieurs années dans cet atelier, Gianbattista décide de s’installer dans le Morbihan à Rochefort-en-Terre – séduit par la beauté de la nature environnante - avec l’envie d’y avoir son propre atelier, continuer ses recherches « pour y faire de belles choses ».

Dans ce dialogue avec la terre et la nature, la technique du Raku offre une immédiateté et une apparente facilité. Tout en ouvrant le champ des possibles, elle s’avère de plus en plus exigeante.

Ayant intégré l’association Argile Bretagne en 2012 et étant adhérent des Ateliers d’Art de France depuis 2014, Gianbattista participe à divers marchés de potiers et organise régulièrement dans son propre atelier des cuissons ouvertes à d’autres passionnés.

Les Flamboyantes

Plusieurs années d’expérimentations et de recherches lui permettent aujourd’hui de présenter les Flamboyantes.

Dans un « voyage autour du cuivre », en explorant les possibilités qu’offre cette matière dans la céramique, Gianbattista aborde par « accident » l’univers des Lustres (n.m. du latin lustrare, éclairer, purifier. Éclats de lumière qui révèlent la beauté de la pièce). Il met alors au point, à force de travail, un procédé de cuisson qui est aujourd’hui personnel et inédit.

Les multiples cuissons révèlent et magnifient les variations de couleurs qu’offre le cuivre et développent un imaginaire flamboyant et unique.

jb.ferraglio@gmail.com

ferraglio-ceramique.fr

Maison Grasset est un atelier d’artisanat d’art. Henri y développe des collections d’objets à partir de la matière papier. Les papiers utilisés sont principalement japonais (Chiyogami, Katazome-shi, Sogara Yuzen…), qui sont obtenus par le procédé de sérigraphie. Cette matière première est inscrite au patrimoine culturel immatériel de l’humanité. 

Plusieurs gammes de produits sont proposées :

• Des coffrets « Confidence » : Pièces uniques conçues à partir de planches de papiers et de planches de cartons. Les coffrets montés à la main se personnalisent grâce à un rabat ouvert et en fonction des projets.
• Des collections « Eventail-Ecrin » en collaboration avec Olivia Oberlin, éventailliste à Epernay :  au travers de l’appellation « Nouvelle histoi’Art », c’est l’alliance d’un objet de décoration « l’écrin » à un accessoire de mode intemporel « l’éventail ». Les pièces uniques sont assorties dans le même papier de fabrication d’exception.
• Un concept de luminaire « Lueur d’Envie ». Les abat-jours fabriqués à la main dans du papier diffusent une lumière douce et chaleureuse. Cet objet de décoration d’intérieur prend vie en s’illuminant.

La Maison Grasset travaille pour ces différents produits la photographie, la peinture par Jacqueline Grasset (peintre), le design. Toutes ses productions s’inscrivent dans une recherche d’esthétisme et d’éco-conception.

henri.grasset@maisongrasset.com

maisongrasset.com

Au gré de ses inspirations et au travers de projets à la carte, Hibohibo imagine, dessine et réalise des vêtements de grande couture en travaillant les pièces emblématiques du dressing féminin.

A l’opposé de la fast-fashion, Charline développe une esthétique avec une forte identité, intemporelle et qui va à l’essentiel, valorisée par une coupe sur-mesure adaptée à chaque corps, des tissus singuliers de très grande qualité et une confection à la main irréprochable.

Ainsi, Hibohibo perpétue le savoir-faire du vêtement de grande mesure, de qualité, durable et indémodable. Son travail s’inscrit dans une démarche de consommation raisonnée et locale.

La couture est une reconversion. Charline a exercé le métier d’architecte pendant 6 ans, métier qui lui a donné le sens des volumes, des formes et de l’harmonie. Frustrée de n’être limitée qu’au dessin et à la conception et de devoir laisser la réalisation à d’autres mains, elle se tourne vers l’artisanat et glisse tout naturellement vers le vêtement qui la fascine.

Après 4 ans de couture en autodidacte, suivi de 4 ans de cours du soir, Charline entreprend une reconversion et obtient le CAP “Métiers de la mode - Vêtement Flou” en 2018, avec l’intention de partager ses créations, ses goûts et ses convictions.

bonjour@hibohibo.com

hibohibo.com

Julie est issue d’une famille d’horlogers-bijoutiers installée dans le Nord depuis 1954. Elle grandit dans cet univers et hérite de la passion familiale.

Dès l’âge de 15 ans, elle débute ses études en Bijouterie-Joaillerie qui la mènent jusque l’école Boulle à Paris. Elle se forge une expérience professionnelle au sein d’ateliers de créateurs de bijoux fantaisie puis en intégrant de célèbres maisons parisiennes telles que Van Cleef et Arpels.

C’est en 2013 qu’elle décide de créer son entreprise ainsi que sa première marque : l’Artisan Créateur. Elle intègre Les Ateliers d’Art de France en 2016 puis Maisons de mode en 2020, tous deux labels de créateurs des Hauts-de-France.        

L’envie de faire évoluer ses créations dans un univers plus chic et intemporel la pousse à créer la marque Coucot en 2019. Elle fait le choix de matières luxueuses à la fois brutes et raffinées telles que la corne et les métaux précieux comme l’argent, l’or et le platine.

Coucot est une marque patronymique, plus personnelle, qui transmet ses valeurs.  Julie aime à penser que l’avenir sera fait de bijoux durables et respectueux de l’environnement. Un style singulier dans l’univers du bijou haut de gamme avec pour philosophie de créer des bijoux qui vous font vibrer.

En 2023, Julie fait le choix d'ouvrir ses portes pour proposer des ateliers de co-création. Elle souhaite accueillir les particuliers désirant se glisser dans la peau d’un bijoutier le temps d’une création.

Elle propose également un service de réparation et de création de bijoux sur mesure.

contact@coucot.fr

www.coucot.fr

https://www.instagram.com/coucot.fr/

https://www.facebook.com/COUCOT.jewelery

Distinctions :

• Coup de coeur Trophée Elles créent FCE 2014
• 1er  prix catégorie artisan Leadexport en 2015
• Prix de la Reconnaissance artisanale Trophée Garance aux Artisanales de Chartres en 2019
• Grand Prix Maisons de mode 2022

Potier-céramiste depuis 36 ans, Thierry a une formation de tourneur en poterie et une pratique autodidacte pour le traitement de ses pièces en grès.

Depuis 16 ans, il est dans un postulat : « ni ajout, ni retrait (de matière), ni tracé ».

Les motifs installés dans la paroi des bols sont souvent géométriques. Ils ont parfois plusieurs niveaux de lecture et témoignent d'une présence à chaque geste (jusqu’à quelques milliers de passages d'outils rudimentaires), dans l’exécution à l’œil et sans tracé préalable.

Une extrême justesse est requise dans la réduction du motif adapté au galbe du bol.

Les créations de Thierry sont présentes dans des collections privées, Musées et Acquisitions institutionnelles.

thierryluangrath@yahoo.fr

insta : Thierry Luang Rath Céramique

En 2007, Christian-Louis est formé à la menuiserie par Alain Cuny à Remiremont.

En 2008 il crée sa première entreprise de meubles pour enfants, puis de fil en aiguille il se lance dans le tournage de stylos, domaine qui regroupait à l’époque très peu d’artisans.

En 2010 il devient artisan d’art, en travaillant beaucoup sur la recherche de bois et de mécanismes dans le monde entier.

En 2019, Christian-Louis monte une société, appelée  Au tour du stylo et dès l’année suivante il crée ses propres mécanismes en travaillant l’acier, le laiton, l’aluminium, etc.  Utilisant le tour à métaux et à bois, il conçoit complètement le stylo.

En 2021 il est nommé maître -artisan en métiers d’art et continue depuis le début à exposer en France, Suisse et Benelux.

Ses stylos ont eu la chance de faire plusieurs fois le tour du monde…

mclentreprise@yahoo.fr

Après des études de design graphique, Audrey s’oriente vers la maroquinerie et part sur les routes du Tour de France avec les Compagnons du Devoir.

Durant ces six années, elle découvre les différentes maisons de maroquinerie de luxe et leurs savoir-faire. Elle apprivoise les études techniques relatives à la création des modèles, le travail de table et s’exerce également dans la gainerie et la marqueterie de cuir. Elle décide de terminer son cursus en transmettant à son tour ses expériences comme formatrice pour les apprentis avant de se lancer dans l’aventure entrepreneuriale en 2020 avec pour ambition de mêler création et formation.

Convaincue que la collaboration forge l’intelligence du geste, Audrey  travaille à repousser les techniques de gainerie et de marqueterie de cuir pour proposer une ligne d’objets singuliers.

Au sein de la Cité du Faire - pôle des métiers d’arts de la métropole nancéienne -  l’atelier Audrey Ludwig met en avant ses savoir-faire liés au travail du cuir, en offrant une approche créative et ludique de l’artisanat.

Elle a à cœur de valoriser les chutes de cuir au travers de pièces uniques : de l’accessoire souligné en marqueterie à l’objet gainé de cuir, elle met ainsi le métier de gainier-maroquinier en avant et sensibilise sa clientèle aux gestes artisanaux.

Enfin elle propose également d’échanger autour de vos projets afin de faire émerger vos idées : accessoires, objets de décoration ou mobilier en mettant son expérience au service de vos envies.

Atelier Audrey LUDWIG
atelieraudreyludwig@gmail.com
https://www.instagram.com/atelier_audreyludwig/
 

Sylvia Martinez Couture Hats a été créé pour mettre en avant les femmes et les hommes qui veulent affirmer leur style et leur personnalité, en portant un chapeau.

C’est permettre à chacun d’oser être soi-même, d’assumer sa différence.

Le chapeau est un accessoire de caractère, qui met le point final à une tenue et vous fait sortir du lot.

Sylvia est modiste designer, passionnée de chapeaux et d’accessoires de tête depuis plus de 15 ans. Une vraie histoire d’amour qu’elle partage à travers ses créations de chapeaux, de coiffes et de bijoux de tête.

Les valeurs qu’elle a envie de transmettre avec son travail artisanal sont la beauté, l’élégance, l’originalité, la créativité, la joie, la couleur et l’ouverture d’esprit.

Curieuse, elle mélange les matières et les techniques traditionnelles de modiste avec des approches plus contemporaines, dans le but d’interpeler et de surprendre. Chaque pièce est unique, tout comme la personne qui la portera.

Des petites collections selon ses envies et son inspiration sont proposées en prêt-à-porter, elle aime aussi co-créer avec ses client(e)s le chapeau ou la coiffe de leur rêve avec un travail sur-mesure.

Les créations de Sylvia ont été maintes fois récompensées lors de concours internationaux

En 2022 au PRIX DIANE Longines Hippodrome de Chantilly, l’un de ses chapeaux figurait sur le podium des 10 finalistes.

Ses chapeaux et bijoux de tête ont également séduit la Grande-Duchesse Héritière du Luxembourg qui les porte lors de cérémonies officielles.

contact@sylviamartinez-hats.com

sylviamartinez-hats.com

Depuis les tréfonds du temps, des femmes et des hommes tressent. Bien plus tard, il y 7 000 ans environ, d’autres tapissèrent des vanneries d’argile. Les entrelacs de branches devenaient tuteurs d’une terre qui les avait nourris. Le feu pour célébrer cette naissance, cette rencontre, ces premières poteries « empreintées ».

Rendre au tressage et à la céramique une partie de leur histoire, fossilisée dans des fragments déterrés. 

Les histoires que Frédéric raconte naissent de cette mémoire archéologique. Il imagine, voyage vers ces temps oubliés. Les gestes sont les mêmes, ils poursuivent l’écriture, ils continuent de raconter la vie, l’espoir, l’émotion peut-être. Les âges se confondent. 

Ses sculptures se veulent le reflet d’émotions, d’intimités timidement dévoilées. Un miroir qui suggère l’invisible. Une mise à nue pudique. 

L’histoire débute par le tressage, une danse intime qui se nourrit d’émotions toutes petites ou démesurées. Puis ce tressage grandit, s’échappe, échappe à l’artiste. Ce qui est né appartient à celles et ceux qui veulent bien se pencher sur cet aboutissement éphémère, fragile témoin de sentiments susurrés ou criés.

fredericmulatier@gmail.com

fredericmulatier.com

Emmanuelle crée sous la marque By Manet depuis ses 15 ans. Après 8 huit ans d’études supérieures à l’école Boulle (DMA) aux Beaux Art et à La Cambre (Master) elle est artisane céramiste designer. Son approche créative est plurielle, entre utilité et décoration, matières brutes et couleurs intenses, lignes tendues ou formes organiques.

Dans son atelier à Igny dans l’Essonne, conçu sur un modèle écologique, la récupération et les cercles vertueux entre ses pièces sont des valeurs importantes au cœur de sa créativité.  Elle inclue de son mieux ces notions éthiques de soin à l’environnement, à la fois dans ses créations et dans leur emballage (recyclage, récupération, papier…). Par exemple, consommant beaucoup d’eau pour l’argile et le nettoyage, elle a mis en place un robinet directement relié à une réserve d’eau de pluie.

A travers plusieurs collections de lampes, de vases et d’objets hybrides entre fonctionnalité et sculpture, Emmanuelle explore différentes associations entre la terre, le verre et le bois. Elle fabrique des pièces uniques ou des petites séries différenciées autour de plusieurs notions qu’elle mélange différemment tels que emboîtement, brut, précision, aléatoire, couleurs, multi-matières ou naturel.

ceramique@bymanet.com

bymanet.com

• 2018- Lauréate Jeunes Talents pour l’édition 2018 du Carrousel des métiers d’art et de la création du Louvre
• 2016 - Prix Tremplin du Ministère de l’Enseignement, de la Promotion sociale, de la jeunesse, des Droits des femmes et de l’égalité des chances.
• World Craft Council - Belgique Francophone, Mons, Belgique
• Membre Ateliers d’Art de France depuis 2020

L’héritage de son arrière-grand-père, artiste, lui laisse peintures à l’huile, pinceaux, feuilles d’or, pigments, outils, dessins et planches d’ornements. C’est pourtant vers le bâti ancien et plus particulièrement le travail artisanal de la chaux qu’Emmanuelle va s’orienter.

Formée aux techniques et pratiques de la chaux à l’école d’Avignon, aux Ateliers de Vérone et à l’Institut Européen de Restauration et de Conservation du Patrimoine de Venise (San Servolo), elle n’en oublie pas moins la peinture et son héritage.

Et l’atelier va progressivement s’enrichir de nouvelles techniques picturales, ancestrales et contemporaines.

Toujours fascinée par la magie de l’embellissement, Emmanuelle se consacre aujourd’hui au mobilier.

Chaque meuble est abordé en fonction de sa particularité, sa personnalité.

Lorsqu’une pièce arrive à l’atelier, la créatrice entreprend d’en faire une œuvre unique. Commence alors un dialogue polyphonique entre matières, outils, gestes et techniques, jusqu’à ce que surgisse, telle une évidence, l’idée qui conduira à sa métamorphose.

Tout comme chez les grands couturiers, les meubles sont revêtus d’effets de matières déroutants, séduisants et captivants.

Emmanuelle organise également des stages de relooking de meubles dans son atelier, ouvert depuis 2003 à Plappeville (Metz).

amdeco.ep@gmail.com

amdecoration.com

Prélude dans la Pampa est un atelier d’impression au cadre. Emil imprime en sérigraphie sur de la soie des motifs et des illustrations

Fasciné par le milieu du design graphique et de l’illustration alternative, il développe sur des carrés de soie des imaginaires singuliers, délirants et iconoclastes, tout en les inscrivant dans une esthétique contemporaine.

Ses gammes colorées sont spécifiques, car Emil cuisine ses pâtes d'impression à base de teintures naturelles. Il recherche de nouvelles couleurs en combinant des colorants issus d’extraits végétaux.

Les objets réalisés sont essentiellement des carrés de soies et des bandeaux.

preludedanslapampa@gmail.com

Formée aux techniques verrières du vitrail et du parachèvement au CERFAV de Vannes-le-Châtel en 2013, l’engagement d’Aline pour cette matière est guidé par une attraction instinctive pour son énergie et les multiples aspects qu’elle revêt.

Matière de lumière, changeante au gré des éclaircies, le verre couvre une palette de caractéristiques vaste entre transparence et reflets, légèreté et pesanteur, solidité et fragilité.

Le travail du verre est une curieuse alchimie entre la pensée et la conception, le matériau et l’outil. Installée à L’Atelier, espace de création partagé à Toul, Aline développe une pratique qui rapproche le geste artisanal technique, méthodique et l’aspect aléatoire, irrégulier de la nature qui éclot, se développe et se transforme, se brise et renaît dans un mouvement et un changement perpétuel.

Sa démarche de travail est une écriture entre hasard et intentions, aléatoire et composition. Elle s’incarne dans plusieurs séries de travaux autour du verre brisé et du motif. L’une est pensée comme un éloge du fragile et de l’imperfection qui intègrerait l’acte de casse comme savoir-faire à part entière, tandis que la série autour du motif se réfère à l’art ancestral du vitrail et célèbre la quête ornementale de formes et de couleurs.

Le trait d’union commun à ces différentes approches est l’exploration des possibilités infinies du matériau verre.  Qu’il s’agisse de souligner sa fragilité ou ses couleurs, de capter la lumière ou de la transformer, le terrain de jeu de transparence(s) et de réflexion(s) est immense.

atelier.alinethibault@gmail.com

alinethibault.com

Tombé très jeune dans la création, puis un passage par l’industrie, Claude change de cap en 1981, pour devenir artisan créateur en bijou.

Autodidacte, il a su par son itinérance dans le travail et la recherche, créer son esthétique personnelle.

Il participe depuis les années 1990 a de nombreux salons et expositions jusqu’en Suisse, Allemagne et Belgique.

            Claude sculpte, martèle, repousse, froisse, comprime, soude, polit et assemble les matériaux. Les formes sont sobres et classiques en même temps que modernes et sans âge, sensuelles et harmonieuses. Les qualités propres à chaque matière permettent les lignes modernes et intemporelles de ses créations.

Les métaux portent leur tension, adoucie par la souplesse et la douceur de l’argent. Les matériaux d’origine végétale, animale ou synthétique permettent des formes sculptées et des lumières différentes de celle du métal, se rehaussant l’une l’autre.

Ceci donne à l’artisan créateur l’occasion de travailler des matériaux improbables : mâchoire de requin guitare, dent de morse, corne de sabot de cheval, crin de cheval, dent de babiroussin, … . Mais il travaille aussi couramment les bois précieux, certaines graines et noyaux, les matériaux composites (jonc, carton, incrustation d’argent),…

« Créer, c’est humaniser la matière et les univers dans lesquels nous sommes. C’est élargir le connu et l’expérience des sens et de la conscience.

Toutes choses faisant Itinérance. »

iti.c.vernet@sfr.fr

claude-vernet.odexpo.com

Avec la collection Paysages, Sarah rend hommage à la beauté organique de la feuille de verre soufflé à la bouche, habituellement utilisée pour la confection de vitraux. Artiste en résidence à l’Atelier de vitraux Simon-Marq fondé en 1640 à Reims, elle découvre en 2020 ce matériau vivant et vibrant, façonné artisanalement grâce aux quatre éléments : la terre, l’eau, l’air et le feu. Ces plaques de verre parlent à l’artiste, émue par leur dimension cosmique.

Sarah sculpte alors ce matériau d’exception pour trouver une vibration entre transparence, lumière, couleurs et espace.

Pour la collection Paysages, l’artiste a commencé par un long travail de dessin avec l’objectif d’accentuer sa vision organique du verre soufflé. Elle s’inspire de formes de montagnes anciennes comme celles du Huang Shan en Chine, de celles des écorces de pinèdes ou encore des ondulations arrondies et élancées comme les langues des flaques d’eau gelées.

Elle a imaginé cinq écrans colorés composés de deux feuilles de verre. Comme un couple uni dans les pleins et les vides. Elles se reflètent l'une dans l'autre, se questionnent et se répondent. Les couleurs harmonieuses et douces de la nature représentent celles des ciels ou des paysages de sa campagne champenoise. Elle les a plantées ensuite dans un socle de chêne comme pour les enraciner.

Avec ces sculptures, Sarah invite à goûter le présent : une contemplation du monde et de soi-même. Chacune est comme une histoire qui s’élance dans un jeu de textures et de couleurs qui se déploie dans  l’intimité des imaginaires.

sarah@ateliersarahwalbaum.com

ateliersarahwalbaum.com