Alexandra voit dans la nature une source inépuisable d’inspiration, mais ce sont les Arts Premiers et l’Orient qui sont le détonateur de ses créations.

Les effets de matières sur ses céramiques leurs confèrent une dimension historique ... archéologique.
Une volonté sous-tend son travail : la force de la matière et la puissance du feu doivent transpirer de la pièce finale.

Alexandra travaille principalement à la plaque, façonne et «imprime» la terre, en quête de lignes épurées, qui dégagent de la force.
La recherche des terres qu’elle laisse décanter plusieurs semaines, l’application des sigillées en couches plus ou moins épaisses puis le travail sur l’enfumage, permettent à Alexandra de donner un caractère hors du temps à ses pièces. Le rajout de matières autres que la céramique, avant ou après cuisson et enfumage, finalise ses créations.

La créatrice réalise ses propres éléments en bronze afin qu’ils soient en parfaite adéquation avec ses céramiques. A partir d’un croquis taille réelle, elle sculpte le futur bronze dans de la cire pour ensuite le couler à la cire perdue. Vient alors le travail de patine sur les bronzes, de façonnage et polissage pour les cornes ou les bois tels que l’ébène et de forgeage des éléments en fer.

Les motifs «imprimés» sur les pièces sont le fruit d’une recherche autour de l’iconographie orientale, des arts premiers ou d’éléments issus de la nature.

L’essentiel du travail d’Alexandra tourne autour de la boîte. Objet à la fois utilitaire et décoratif mais surtout objet empreint de mystère...

Membre des Ateliers d’Art de France depuis 2013, Alexandra participe régulièrement à des expositions de renom en France et à l’étranger (Suisse, Pays-Bas, Grande-Bretagne, …)

• www.courty-ceramique.com

L’une et l’autre filles du littoral français, c’est à Heidelberg, en Allemagne, qu’elles se rencontrent.
Ambitieuses et rêveuses, elles veulent développer un objet reflet de leurs envies, de leur mode de vie et de leurs origines maritimes.

Pour Emmanuelle, la danse a été sa première passion. Elle y a appris la rigueur, le mouvement, la mise en scène et le goût de l'art sous toutes ses formes. La laine et la technique du feutrage entrent dans sa vie plus tard, en 2006. Hier interprète professionnelle, elle vit aujourd'hui au rythme de ce nouveau moyen d’expression. Elle pose un regard neuf sur la nature et s'efforce de la réinterpréter, aidée dans ce travail par son premier métier où perfectionnisme et émotion sont les maîtres mots.

La publicité a longtemps dominé l’univers professionnel de Cécile. Responsable de la fabrication d’un magazine, elle en a conservé l'envie de porter des projets originaux, de les présenter autour d’elle. Elle s’efforce de tendre une passerelle entre cet artisanat exigeant et ses clients afin qu'ils soient assurés d'acquérir bien plus qu'un objet de décoration supplémentaire : une pièce unique, reflet de leurs envies.

Adeptes d’un art de vivre qui allie respect de l’environnement et bien être personnel, Emmanuelle et Cécile créent Kayu en 2019.
Leurs coussins d’assises galets en fine laine mérinos réhaussés de fils de soie sont feutrés de façon artisanale et remplis de balle d’épeautre afin d’obtenir une assise à la fois ferme et confortable.

Tous ces matériaux naturels sont travaillés à la main par leurs soins dans leur atelier.
Chaque pièce est unique.

Ces galets séduisent les amateurs de douceur et de confort, de design et d'originalité.

• contact@kayu-creation.com
• https://kayu-creation.com

Les sculptures d’Alexandre jouent des équilibres, des accidents, des vides pour laisser jaillir la lumière. Elle symbolise une échappée, une projection vers l’avenir.

La rythmique diurne, inhérente à chaque œuvre, ancre la création de l’artiste dans l’authenticité du quotidien et des essentiels moments liés à nos vies, dans la libération des carcans et la transformation des épreuves en expériences. 
Les motifs gravés déclinent ces traces ou accidents, ces rugueux instants qui nous rendent plus singuliers.

Une réflexion sur notre puissance résiliente. La matière, la lumière et son mouvement, jouent des aléas et montrent une douceur inattendue.

• alexandre_doucet@hotmail.fr
• www.alexandredoucet.com

Tout jeune, son père lui transmet l’amour de la matière, des gestes précis et du travail manuel bien fait. 

De formation technique, Matthieu s’intéresse au fonctionnement des objets et aux procédés de fabrication. Assez tôt, il est attiré par le travail du bois,  achète son premier tour à bois au milieu des années 90, mais il se passe des années avant qu’il ne réalise mon premier stylo, en 2010, pour le départ en retraite de son beau-père, écrivain à ses heures perdues.

Très rapidement, il décide de se démarquer de la production que l’on voit habituellement faite à partir de kit. Concevoir ses propres modèles de stylo-plume était son but. Autodidacte dans ce domaine, cette école faite d'expériences et d’échecs permet à Matthieu de mettre au point, en 2014, son premier modèle « maison » : le numéro 7. Depuis, sa gamme s’enrichit au gré des demandes et envies des passionnés/collectionneurs de stylos-plume qui lui font confiance depuis plusieurs années.

Cela lui permet d‘élargir son champ de compétences, dans la fabrication proprement dite mais également dans le réglage final de la plume. Il est ainsi un des rares artisans français à maîtriser toutes les étapes de la fabrication d'un stylo-plume.
Son credo : aucune limite hormis celle de l'imagination !

Le choix d’un matériau pour le corps, celui de la plume, de son métal, de sa largeur de trait, de son profil pour s’adapter à votre écriture, permettra à cet artiste de créer votre stylo-plume, réglé à vos envies d’écriture.

A l'ère du tout-numérique, laissez-lui vous faire redécouvrir le plaisir d'écrire !

• contact@faivet.net
• www.faivet.net

Architecte de formation, graphiste, illustratrice, Anne-Catherine crée aujourd’hui des sculptures figuratives contemporaines en céramique, pièces uniques, colorées et partiellement émaillées.

La terre est au cœur de son travail de création. C’est avec elle que l’artiste trouve sa liberté d’expression, un langage et une émotion. Chaque projet découle d’une vraie curiosité et d’une recherche ;elle travaille souvent par série.

Anne-Catherine aime la petite musique du regard, du geste et de la pensée autour de la sculpture en train de se faire. Chaque pièce d’argile est une rencontre, un point de vue et un enjeu, pour lequel elle recherche la complicité des matières et des couleurs jusqu’à la dernière cuisson. Le modelage de la forme est le temps privilégié de la conversation avec la matière. Le séchage celui de l’attention et de la patience. La mise en couleur et l’émaillage sont celui de la remise en jeu, par la recherche alchimique des teintes, jusqu’à l’ultime transformation par le feu.

Elle a choisi le travail d’une matière atemporelle, la terre, pour répondre au monde actuel. Elle s’inspire de la rencontre de modes d’art traditionnel et de questions d’actualité de la société. Elle aime évoquer les paradoxes de l’homme dans son rapport au monde, à l’art, à son environnement sous influences, et en offrir une vision poétique, énigmatique et sensible.

Anne-Catherine participe cette année à de prestigieuses expositions :

• La Biennale Internationale de la Céramique, Steenwerk,
• Salon Révélations, Grand Palais, Paris
• Saint Sulpice Céramique, Paris

• ac@fenzy.net
• www.fenzy.net

La nature est une source d'inspiration inépuisable, elle est au centre des différents axes de recherches de Marie Flambard, qui s'intéresse à la fois au monde végétal, minéral et animal.

La créatrice explore le vivant, en créant et s'inspirant de formes l'ayant profondément séduites qu'elle transforme en sculptures et en parures à porter tout contre soi.

L'artiste travaille de nombreux matériaux, mais c'est le verre, sa matière de prédilection qui est au cœur de ses créations, elle travaille cette fascinante matière liquide ou solide, à chaud ou à froid. Les techniques de pâte de verre, de verre filé à la flamme et de sablage sont les savoir-faire qu'elle utilise pour réaliser ses créations étonnantes, décalées et poétiques.

Marie est lauréate de nombreux concours dont le Prix Entreprenariat jeunes Grand Est (2018) et le Prix spécial du jury Festival International des Métiers d’art (2017).

• contact@marieflambard.com
• www.marieflambard.com

« Son regard nous porte au delà de la matière, son imaginaire raffiné nous révèle l’insoupçonnable précieux. Son affection et son respect des assemblages emportent notre regard intime vers la représentation d’une émotion. Surprises proches de l’intrigue, ses bijoux et objets décoratifs sont un langage poétique et mystérieux. Ils parlent de voyages, de découvertes,  d’expériences, de rencontres, de judicieuses et inattendues fusions. Métal, nacre, ébène, graines, cornes, perles, plûmes, coquillages… Isabelle Fustinoni interprète en virtuose les matériaux tout au long d’une partition créative et singulière. La précision et la technique y impriment l’accent de la modernité et de l’intemporel.
…
       Objets décoratifs et d’usage, parures et autres bijoux, pour Isabelle la définition de la création n’est pas dans l’usage ou l’utilité mais dans le sens profond et la rareté qui est donné à chaque objet. La réalisation précisément réfléchie d’une pièce doit offrir à l’observateur un accord parfait entre matière, savoir faire, inattendu et questionnement : l’alambic des idées à la recherche de l’absolu.

Isabelle Fustinoni vit et travaille à Strasbourg. Elle a étudié le bijou et l’orfèvrerie de 1980 à 1985 à l’Ecole Supérieure des Arts Décoratifs de Strasbourg, aujourd’hui appelée HEAR (Haute Ecole des Arts du Rhin). Elle a obtenu en 1985 un brevet de compagnon Bijoutier-Joaillier (délivré par la Chambre de Métiers d’Alsace) et un DNSEP (Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique) en création du bijou.

Depuis, elle a collaboré avec diverses galeries en France et à l’étranger. Egalement passionnée de voyages et d’Afrique noire, elle a passé de nombreux séjours à travailler dans des ateliers locaux pour se familiariser et apprendre des techniques traditionnelles d’orfèvrerie.

       La découverte de son travail nous emporte au gré des cultures, de la beauté de l’inattendu, d’une esthétique profonde à la croisée de toute matière. »

       Diane Lhoste, Galerie Lhoste (Biarritz) 
 

• creations.isabelle.fustinoni@gmail.com
• https://fustinoni-creations.wixsite.com

Depuis 1997, julie vit avec le verre. 
Elle exerce ce métier, chargé d'histoire, dans le respect des traditions et des savoir-faire qui lui ont été transmis. 
A l'origine de toutes ses créations, il y a constamment le plaisir de la flamme et du verre en fusion.

Son expérience dans l'industrie et l'artisanat lui a enseigné la persévérance, l'exigence de la qualité  et la production de série. Julie utilise ces séries pour emmener le verre au chalumeau vers d'autres horizons.

Elle monte ses sculptures en assemblant une multitude d'éléments de verre soufflés ou filés. 
Elle aime jouer de l’accumulation.

Associés par couture au bois, à la terre, au métal ou à tout autre matériau,  le verre met en lumière une dimension cachée,  exprime l'émotion de l’univers de la créatrice.

Le verre est au cœur même de l’œuvre, il vibre à l'intérieur, il est son âme.
L'originalité de ces accumulations lui permet de créer des sculptures uniques sans limite de taille et de s'adapter à tous projets sur mesure.

La nature est sa source d’inspiration, d’évasion, et d’épanouissement.

Julie est membre d’Ateliers d’Art de France, de la Fondation Taylor et de la FREMAA et lauréate de plusieurs concours dont le Concours National Ateliers d'Art de France en 2014.

atelier@juliegonce.com
www.juliegonce.com

Le cheminement artistique de Delphine suit un fil.
Entre ses doigts, ce fil prend vie et devient un lien précieux et d’une grande finesse dans la réalisation de sculptures légères et transparentes. A la fois brut et raffiné, souple et rigide, coloré ou plus terne, il lui permet d’inventer des volumes en maillage qui s’élancent, se frôlent ou s’épousent, jouant sans cesse avec la lumière et les ombres.

Le rythme, l'harmonie, le mouvement et l’espace, la précision du geste et de la construction, tout se rejoint et se confond pour laisser place à une phrase artistique qui témoigne d’une émotion et d’un certain regard sur le présent.
Cet acte de création s’inscrit dans un mouvement de recherche et de découverte, où chacune des œuvres de Delphine en amène une autre, comme une soif insatiable de ce qui va naître.

La technique de maillage
La maille  est faite à partir d’une bobine de fil.  Elles sont assemblées les unes aux autres par une série de gestes minutieux, pour au final donner naissance à une forme souple, légère et transparente, qui sera  modelée en fonction des mailles ajoutées ou enlevées, ainsi que par le choix du fil et de son diamètre.

Cette technique, appelée Viking Knit, est une ancienne méthode de tissage de fil utilisée pour faire des bijoux ou des contenants. C’est à travers les œuvres de l’artiste Ruth Asawa que Delphine découvre son usage dans la création de sculptures contemporaines.

delphine@grandvaux.net
www.delphine.grandvaux.net

Après de nombreuses années de pratique et une galerie ouverte en 1992 à Venosc (Isère) François met au point en 2 000 la technique de la compr'essence, nouvelle technique de marqueterie contemporaine, dérivée de la technique "VRIZ", permettant de réaliser de la « peinture » avec du bois de placage.

Les tableaux réalisés font penser à de la peinture. Il ne s’agit exclusivement que de bois. Cette matière ne cesse de nous surprendre. Ici elle nous révèle un aspect inconnu : sa transparence.

La technique consiste à poser une couche de placage  sur une autre couche mais pas nécessairement sur toute la surface. Pour marier les bois entre eux il convient d’appliquer de très fortes compressions avec de très grosses presses, couche par couche en collant chaque couche. Pour mettre en évidence la transparence, il faut poncer des feuilles de placage jusqu’à une infime épaisseur, jusqu'à percevoir la couche du dessous par transparence. Pour l’apport de couleurs, seule l’imprégnation de teintures ne dénature pas le bois. Les bois sont teintés avant d'être posés.

Cet ensemble de techniques : compression, transparence, teinture s’appelle La  « Compr’essence ».
Tout ici est précision, nuance, préciosité. Le bois révèle sa noblesse et sa richesse !

Cette technique est adaptable sur du mobilier, des portes, des panneaux de cuisine, de placards ........

L’artiste participe régulièrement à de nombreux salons, crée des objets de décoration pour des maisons prestigieuses telles que Hermès, Grange, Nature et Découverte, …  collabore en 2013 avec l'entreprise Rozière (fabricant de portes d'intérieur).

• fr.grignon@gmail.com

« Elodie Lesigne, par ses êtres légendaires – chimères, chamans ou gardien(ne)s – revendique la nécessaire connexion de l’homme avec l’invisible, la nature, les forces de l’esprit, une forme de mysticisme indispensable à l’humain. 

Ses figures, mi-humaines mi-animales, souvent couvertes de poils ou d’une épaisse parure-fourrure, impressionnent et ne sont pas sans rappeler masques, fétiches et totems, formes artistiques issues de civilisations animistes. Modelées dans un grès roux habillé de jus d’oxydes et d’émaux, elles paraissent avoir traversé les épreuves du temps.

Ses créatures, tel un miroir, renvoient à nos rêves, à nos cauchemars, à une part obscure et mal connue de notre être. La référence aux cabinets de curiosités, dans lesquels les collectionneurs amassaient et chérissaient des bizarreries collectées aux quatre coins du monde, évoque bien les formes de croyances et de mythes attachées aux limites de notre compréhension face aux mystères du vivant. » 

Extrait d’un texte de Maud GRILLET, Galeriste, Galerie Terra Viva

En 2020, Elodie ouvre son Atelier Boutique Le Terrier, niché au creux de la Petite France à Strasbourg. En plus de pouvoir découvrir son atelier et les coulisse de mon travail, les visiteurs entrent dans un cabinet de curiosité onirique.

Celui-ci est habité par les œuvres de 14 artistes et artisans. Ce sanctuaire est une bulle hors du temps, où l’on navigue comme suspendu dans un univers fantasmagorique.

• contact@elodielesigne.com
• www.leterrier-strasbourg.fr
   

Au plus loin que remontent ses souvenirs, Sylvain a toujours été fasciné par la forge et les armes blanches.
Après avoir passé 18 ans dans l’industrie, il rencontre le Maitre d’art J.L HURLIN qui l’initie à la forge et à la ferronnerie. Il entame une reconversion en passant un CAP en ferronnerie d’art en 2017.

aA la suite de cette formation, Sylvain installe sa forge dans l’ancien atelier d’ébénisterie de son oncle à Essey-les Nancy.
N’ayant aucune formation artistique et une très courte expérience dans les métiers d’art, il décide en 2019 de passer la formation de « concepteur créateur » au Cerfav de Vannes-le-Châtel pour acquérir une bonne démarche dans son processus de création.

C’est dans la coutellerie et la fabrication d’armes qu’il trouve à conjuguer l’art et le savoir-faire de la forge.
Je s’y consacre aujourd’hui entièrement, forge des armes destinées à durer, à accompagner une personne lors de sa vie et à être léguée. Ce qui représente pour lui un symbole fort de filiation. Avec la même idée, il donne le nom de « Lothar Forge » à son atelier en référence à la Lotharingie, ancien nom de la Lorraine. Comme une sorte de lien avec les forges anciennes, et avec l’atelier de son oncle.

La forge et la coutellerie sont des métiers qui nous viennent de très loin, et Sylvain aime à penser qu’il s’inscrit dans une longue tradition.

Entre sabre, épée et lance, l’univers des armes blanches fascine et véhicule un imaginaire puissant.

Christophe commence en 1991 à apprivoiser le travail du verre plat.

Autodidacte, il a depuis toujours cherché à développer des techniques spécifiques alliant technologies de pointe et tradition artisanale dans le domaine de la décoration. Sa rencontre avec Yann Zoritchak en 2014 et la réalisation co-signée d’une sculpture lui donne l’envie de se présenter en tant qu’artiste sculpteur verrier.

Les pièces qu’il réalise aujourd’hui sont le fruit de son expérience acquise dans le travail du verre associé à de nouvelles recherches et mises au point associant fusion, inclusions, taille, polissage, métallisation au service de son expression artistique.
Ses pièces sont signées Siltof, contraction Christophe et de silice, composant essentiel du verre.

Il remporte le grand prix du jury Josette Renaux et le prix jury jeunes métiers d’art au concours FIMA de Baccarat 2019.
Médaille de bronze catégorie sculpture au salon international de Vittel 2021.

Invité d’honneur du salon des antiquaires et métiers d’arts 2022 de Nancy.

Ses pièces sont régulièrement présentées à la Galerie Raugraff à Nancy.
 

Titulaire d'un diplôme de gravure de l'école Estienne à Paris, Jeanne pratique dans différents ateliers associatifs puis bordelais avant de poser ses valises à Nancy et d'y ouvrir mon propre atelier-boutique.

Elle réalise ses estampes, du dessin préparatoire à l’impression en passant par la gravure et jusqu'à l'encadrement.
Sur un fond d’inspiration naturaliste, son univers graphique est parfois décalé, parfois onirique et poétique. Voyage entre la faune et la flore, personnages hybrides, souvenirs d’enfance, touche d’étrangeté, telles se définissent ses estampes.

Sa technique favorite reste la taille-douce (eau-forte, aquatinte, pointe-sèche), à cela elle rajoute très souvent de la couleur par des impressions de linogravures et des encollages de papiers colorés et à motifs. Mais Jeanne réalise également des linogravures d'animaux en aplats de couleur vives, en deux ou trois couleurs qui dialoguent.

La couleur a pour moi une importance toute particulière et fonctionne comme élément de composition. Ainsi, elle ne se pose pas de limites techniques en termes d'apports de couleurs, le but étant d'arriver à l'image souhaitée.

Elle propose au public des estampes en séries limitées, présentées dans des encadrements kraft sobres et élégants ou en chêne clair pour les plus grands.

Elle laisse également la possibilité d'acquérir les gravures sans encadrement pour plus de liberté.

• jeanne.picq@gmail.com
• www.jeannepicqgravures.com

Typhaine propose une gamme originale de maroquinerie en bois et cuir appelée Les Samares Ailées.

Elle conçoit et fabrique intégralement tout ses produits dans son atelier afin d'en garantir la qualité et l'éthique Made in France.

Elle a imaginé une manière nouvelle de lier le bois et le cuir -ses matières

fétiches-  avec simplicité, esthétique et ergonomie : deux pièces de bois finement usinées autour desquelles s'entoure une pièce de cuir munie d'aimants pour assurer la fermeture.

Ce concept simple se décline en formes et usages variés : Typhaine propose des étuis à lunettes, porte-monnaie et pochettes de soirée, ainsi que différentes tailles de sacs à main.

Les structures de ses maroquineries sont en bois de frêne usinées à la main par ses soins.

Toutes ses pièces sont vernies avec des huiles dures afin de les protéger au quotidien tout en gardant un toucher de matière authentique et sensuel.

Les cuirs sont achetés en petite quantité selon ses coups de cœur afin d'avoir des produits toujours nouveaux et uniques. Du rétro jusqu'aux couleurs les plus contemporaines, la créatrice marie avec audace les styles, les époques, les textures dans des pièces toujours originales.

Une attention toute particulière est portée au raffinement et à l'ergonomie : fermetures aimantées, invisibles, légèreté, galbe et maintien sensuels...

• samares.ailees@gmail.com
• http://samares-ailees.com

La fascination de Marianne pour l’art rupestre a trouvé son mode d’expression le jour ou elle rencontra la terre. 
La pureté de la ligne de l’art rupestre est le fil conducteur de cette céramiste qui souhaite par son travail faire écho à nos origines, au lien sensible de l’homme à la nature et nous interroger sur notre passé, présent et avenir.

Ses animaux de terre sculptée sont couverts d’engobes plus ou moins fins, d’oxydes, de matières animales et végétales ; des matériaux que nos ancêtres ont découverts et utilisés.

Marianne est une jeune céramiste de 65 ans.

De 2000 à 2012, Mosaïste de formation, elle fait pendant 12 années, régulièrement et patiemment, ses gammes dans un atelier de céramiste prés de Metz.

De 2012 à 2016 elle suit diverses formations auprès de Céline Laurent et Maxime Defer au CPIFAC de Velaine en Haye.
Depuis 2013, elle expose en France, en Belgique, au Luxembourg et surtout en  Allemagne, de marchés de potiers en salons et galeries.

• Marianne.succord@laposte.net
• www.lavenusdargile.com
• www.facebook.com/marianne.succord.57

Mordue de dessin et d’art, Sophie travaille en tant que styliste et modéliste pendant une quinzaine d’années dans le monde de la mode et de la haute couture avant d’opérer en 2005 une reconversion totale en se formant au métier d’enlumineur.

Progressivement, elle s’affranchit de l’approche traditionnelle pour créer des pièces mêlant étroitement vision contemporaine et inspirations médiévales.

Devenue membre des Ateliers d’Art de France en 2009, elle ouvre son atelier à Saint-Germain-en-Laye en 2013.
Remarquée par la Michelangelo Foundation, elle est référencée dans le Homo Faber Guide depuis 2020.

L’enluminure : art pictural consistant à « faire entrer la lumière » dans les textes anciens grâce à la pose de feuilles d’or, l’enluminure plonge ses racines au cœur même du Moyen-âge.

L’enlumineur fait montre d’un savoir-faire ancestral où le geste, précis et méticuleux, détient une importance capitale.

Ce travail d’exception est rendu possible par la préciosité des matériaux* – parchemin, pigments, ors, argent et cuivre –, qui confère un luxe incomparable à mes créations.

Les principales expositions de 2022 :

• Homo Faber- Venise, Révélations
• Paris, les Rendez-Vous de la matière
• Paris, Salon du patrimoine - Paris

• sth@sophietheodose.fr
• www.sophietheodose.fr

Après une année de formation à l'Institut Européen des Arts Céramiques de Guebwiller en 2014, Chantal ouvre son atelier à Gérardmer dans les Vosges.

Depuis, elle expérimente le travail de la terre, crée un petit monde imaginaire à son échelle, fait de pièces uniques ou de petites séries utilitaires...

Elle s’appuie sur tout ce qui l'entoure et la touche, les paysages, l'architecture, la cartographie, les objets du quotidien et leur histoire, tout ce qui la rattache à l'enfance aussi et à une certaine poésie.

Les Canopes et les Vases s'inspirent de l'histoire des objets céramiques, de leur usage ou de leur non-utilité, des formes domestiques aux plus sacrées… Des silhouettes construites à partir de fragments de moules, cassés, sciés, sculptés, puis réunis en une nouvelle architecture, fragile et chaotique.

Dans ce nouveau moule ainsi constitué, Chantal coule de la porcelaine liquide, qui lentement forme une membrane fragile mais parfaitement fidèle au plâtre qu'elle épouse...

Comme un puzzle assemblé puis déconstruit pièce par pièce, de ce nouveau moule  se dégage une  figure inédite aux contours surprenants, conservant les traces et les stigmates d'une forme passée. La mise en couleur, avant ou après cuisson, met l'accent sur ces témoins d'une histoire antérieure...

• chan.tou@wanadoo.fr
• www.chantaltoussaint.com

Après un Diplôme des Métiers d’Art en Textile à l’Ecole supérieure des Arts Appliqués Duperré (Paris), Angélique Zrak obtient un BTS Design de Mode ainsi que des CAP en maroquinerie et tapisserie en  décors qui lui permettent d’explorer de nouvelles techniques et matières.

Récompensée par le prix «SEMA jeune» en 2009 pour la création de tissages d’exception, son activité se développe au sein des Maisons de Haute Couture durant 6 ans.

Devenue entre autre responsable de collection textile puis formatrice, cette échantillonneuse d’idées décide en 2016 de reprendre le fil de ses créations en entremêlant avec excellence tissage d’art et passementerie, ce qui lui vaudra d’intégrer les « Ateliers d’Art de France » en 2017, d’obtenir le label «Fabriqué à Paris» en 2018, puis de gagner le concours Patrimoine des Ateliers d’Art de France en région Grand Est en 2021.

Baignée par la matière et la couleur, cette passionnée de Tissage réinvente son métier d’Art en façonnant avec une  infime précision les matériaux les plus nobles.

A travers ses métiers à bras, sa signature moderne et délicate s’exprime dans des créations uniques s’accordant aux exigences des ouvrages d’exception et aux confections sur-mesure les plus prestigieuses.

• angelique.zrak@gmail.com
• www.angeliquezrak.com

« Au commencement, il était une bouteille de vin aux couleurs automnales ; feuille jaune, marron glacé et vert menthe. Cette bouteille, une fois vidée de son nectar, avait alors révélé ses formes élégantes et élancées. C’est ainsi qu’avait germé en nous le désir de lui rendre hommage et de créer S’Glàs, un atelier verrier qui transforme les bouteilles en objets d’art de la table. »

S’Glàs, l’entreprise qui offre une retraite dorée aux bouteilles de vin d'Alsace a été fondée par Maya Thomas, une artiste verrier animée par la conviction que le recyclage est l’affaire de tous. Ainsi la mission de l’atelier est de recycler l’intégralité de la bouteille en proposant verres, bocaux, carafes, coupelles… mais aussi des créations originales de vitraux, cloisons et parois décoratives.

Enfant d’expatriés puis expatriée, c’est en Alsace que Maya choisit de poser ses valises et de s’installer. Maya décide de porter fièrement cette identité culturelle dont elle a fait le choix de son héritage.

Formée en architecture d’intérieur, Maya pense les espaces à vivre. Spécialisée dans la reconstruction et la logistique d’urgence, elle s’engage à «panser» les espaces à travers le monde pour Médecins Sans Frontières. Elle comprend que les intérieurs ne sont pas figés, on s’y meut et on s’y émeut.

Aujourd’hui vitrailliste et créatrice verrier, après une formation de trois ans au CERFAV (Centre Européen de Recherche et de Formation aux Arts Verriers) Maya se veut artiste et artisane de sa région. Elle exprime sa créativité et sa passion du matériau verre en alliant l’amour de son patrimoine et une approche du verre résolument contemporaine et architecturale.

Maya THOMAS est un jeune talent, issue de la formation Région.